Reflexiones V
Reflexiones es un espacio para pensar el arte
Una Invitación a mirar
Mi idea es relatar desde mi impresión personal, que veo, como veo y que pienso frente al arte.
Después de asistir a diversas muestras de arte, me siento a escribir que me ha sucedido, que he podido ver, pensar y sentir.
Sin ninguna intención de que mi descripción pretenda ser única o la portadora de la revelación intencional del artista. Ni que este sea el exclusivo modo de abordar un encuentro con el arte.
Las impresiones o los análisis que generan las obras son muy personales y pocas veces coinciden con la intencionalidad, si la hubo del artista que la ha creado.
Tampoco aspiro a realizar una crítica, ya que no soy una persona especializada en esa profesión, solo expresar como me aproximo a los tantos e infinitos lenguajes del arte.
"SPIRAL WORKS"
MATIAS KRITZ ARTWORKS
En: MARTORELL art+people & NARANJA CONTEMPORANEO
Después de atravesar una puerta vidriada y dar unos pasos por un corto pasillo, se hace visible el ámbito en donde las obras se exhiben. Las que se despliegan, en un espacio íntimo, con una luz natural que proviene de un exterior y que pone límite al fondo, sobre dos paredes que se enfrentan, en una distancia adecuadamente pensada.
Las obras son de gran formato e impactan por una multiplicidad de elementos con los que el autor opera.
Hay cuatro series, que se remiten a distintos ejes sobre los que trabaja, con una técnica común que denomina SPIRAL WORKS.
Dependiendo de cómo uno inicie su recorrido al principio o al final, hay dos obras que están realizadas en un formato menor con tonos monocromos, en un planteo algo distinto del resto de las demás obras, y deteniéndome en la referencia al año de su ejecución, me hizo pensar que quizás estas obras estaban allí por ser las primeras con las que el autor comenzó a desarrollar el proceso creativo que hoy despliega.
Estas dos obras portan un título muy sugestivo Peace of Mind (Paz de la mente) y Quantize life (Calidad de Vida).El nombre que los autores dan a sus creaciones, puede conducir a diferentes interpretaciones, así como el silencio de: Sin título.
Además agrega dentro de los datos en ambas, Location: Subconscius, ósea ,Lugar: Subconsciente, y contemplándolas, me sugiere si cabe la posibilidad de poder plantear alguna respuesta, a esta angustia existencial que persigue al ser contemporáneo en relación a su momento.
La sensación de un hondo grito, de unos ojos que claman desesperación, del ahogo, del vértigo de un movimiento que arrasa, de la radiografía de la mente acompañada de un oscuro vacio, imágenes que se componen y se desarman a una velocidad como imposible de detener.
Compartiendo este dialogo, el autor presenta, dos Series más, en las que ha tomado como cita a dos grandes artistas de la historia del arte: Michelangelo Merisi da Caravaggio y Alberto Durero .
Durero nació exactamente un siglo antes que Caravaggio, y esto los ubica en un mundo que atravesaba diferentes momentos en todos sus órdenes.
Pensé, porque ellos en especial, quizás es solo una elección al azar o una preferencia particular.
Ambos fueron dos artistas que trasgredieron las formas de sus respectivas épocas y marcaron un camino que se disperso más allá de las fronteras de sus países estableciendo cambios a través del tiempo.
El autor llama a la utilización de las obras de dichos artistas “Asimilación” y me pregunto de nuevo ¿qué es aquello que ha asimilado? para luego ser recreado generando su propia visión.
Siendo así ¿porqué estas obras de toda la amplia producción que ambos artistas realizaron?
La serie referida, de la asimilación de Caravaggio, la titula “Apoteosis Barroca”, destacando así la esencia del Barroco, termino con el que se lo denomino a este largo periodo en un sentido peyorativo, expresando su desmesura e irracionalidad y que fue un complejo fenómeno que involucro a lo social, a lo político, a lo religioso y al arte.
En donde abundo la exacerbación de los conceptos, en un mundo en movimiento y agitación, rodeado por la violencia y las guerras, se hizo entonces necesario, exaltar con todos los sentidos el dolor y la muerte que circundaban la vida de los hombres.
En el arte los artistas hallaron un camino para plasmar esta realidad a través de un virtuosismo que acercaba más al espectador.
La religión que estaba en turbulencia utilizo este medio para expresar sus conceptos y así la obra de Caravaggio hace uso del acercamiento a la realidad y le suma el tenebrismo como recurso expresivo.
Investigando las obras que el autor a elegido, de este pintor, aparece el triunfo del bien sobre el mal con La Virgen de la Serpiente, los preceptos de Dios para el hombre, en San Mateo y el ángel, los vicios del hombre en Los Tahures , y la muerte con La Deposición.
El sufrimiento, el dolor, la lucha, la virtud, el vicio, el bien y el mal, la vida y muerte, algo que la humanidad nunca pudo desprender de si, a pesar de los siglos que han transcurrido.
Kritz toma estas obras y les genera un movimiento vertiginoso en donde casi se pierden las imágenes, quedando algunos datos de referencia como en una intención de rescatar algo que allí esta y que no desea que se pierda, algo que es necesario recordar o algo para volver a mirar .
En una armonía única establece como una fusión y multiplicación de las imágenes que quedan estiradas y envueltas en ese movimiento espiralado, abriendo y cerrando la composición resaltando la vibración de los colores originales que la vuelven al presente como en una resurrección. La intención interpreto no es mostrar la obra de Caravaggio , sino fundir, unir, ensamblar, miradas.
Para Caravaggio la pintura fue su recurso a la hora de plasmar un pensamiento presente en su momento histórico, para Kritz la obra de Caravaggio fue el recurso, tomo entonces estas obras para dar inicio al punto que genera el movimiento espiralado que algunos interpretan como un ciclo que contiene tres momentos el nacimiento- la muerte- y el renacimiento.
En la serie referida a la asimilación de Durero, el autor, le otorga el título de “Apeles de la línea negra”, y encontré que este sobrenombre se lo dedico Erasmo de Rotterdam a Durero.
Apeles fue el más destacado pintor de la antigua Grecia en la época de Alejandro Magno, y es por lo tanto, en alusión a la destacada pintura que desarrolló Durero la razón de establecer dicha comparación con este pintor de la antigüedad, aunque agrega …de las líneas negras… y eso es en relación al virtuosismo que Durero desplego en la disciplina del grabado. Este artista que incursiono en ambas disciplinas con una suprema maestría.
Durero desarrolla su arte en pleno surgimiento del periodo Renacentista.
En Alemania el Renacimiento tomo su propia interpretación, que fue la de afianzar el espíritu germánico motivado por la Reforma Protestante.
Sin embargo para Durero fue mucho más, impuso la impronta del artista moderno, uniendo la transición entre la práctica medieval y el humanismo del Renacimiento. Comprendió la imperiosidad necesidad de adquirir un conocimiento racional de la producción artística, e introdujo el idealismo de tradición italiana en el arte alemán.
Se destaco en la pintura en especial en los retratos. Kritz elige algunos de ellos como:
La joven veneciana, Retrato del Padre del Artista, Barbára Durero, Elsbeth Tucher estos corresponden a personas cercanas y queridas por el pintor y además incluye tres con escenas religiosas como: Cristo como varón de dolores, La Virgen y el Niño, Santa Ana, la Virgen y el Niño.
Encuentro en estas obras que es notable la expresión de cierta pasividad, de una mirada perdida en un horizonte lejano y difuso, emanando una melancolía que ansía alcanzar algo pero que desconoce cómo lograrlo, y allí esa resignación, como en ese Cristo que se entrega enteramente a su destino.
El autor abre la imagen de estas pinturas con la misma técnica que abordo las anteriores series mencionadas, en donde algunos sectores se desvanecen aunque estas intervenciones no involucran a la totalidad de la representación pictórica. Hay otros espacios en donde particiona la imagen o la abre un abismo que se interna para ir a otra dimensión, como penetrando al cuadro. Arma y desarma, permite cierta nitidez y también la diluye en un movimiento siempre circular que impide su lectura anterior. Ese movimiento constante que se hace permanentemente presente porque nada queda estático y sin cambios.
Completando la muestra y retomando el recorrido, hay dos obras más que son de un tamaño aún mayor al resto y que están solo apoyadas en la pared sobre el piso, son dos gigantes retratos de dos mujeres, que están contenidas por un fondo neutro, pero sobre el rostro de ambas invadió la imagen de tal modo que las desmaterializo casi completamente, se aprecian como transparentes o etéreas, sin embargo dejo intacta la línea de sus contornos y los ojos que apelan con miradas intensas contenidas en una paz interior
Hallo en estas obras más que una búsqueda una percepción de la realidad, una lectura que me resulta algo hermética y que me lleva a pensar en un movimiento cíclico en el que la humanidad está inmersa, en las tensiones, en los vacíos, en un después que se avecina incierto e impredecible pero en donde la agitación conduce una constante y la marcha no se detiene. Ese movimiento que partió de un punto que continúa su línea en una circularidad que no retrocede.
ESTELA A. MANCINI 22/08/12
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